Can Titella - títeres del mundo

Un enlace interesante (que no recuerdo de dónde saqué, lo siento) es Playing with shadows, de ArtsEdge. Es más bonito que técnico, pero tomado como tal introducción, creo que merece la visita.

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(De paso, como en estas fechas electorales los títeres y titiriteros andan hartos de ser usados como sapos y culebras, valga como una evidencia más de que aquí hablamos de un Arte. Ni más, ni menos, ni otra cosa.)

Las marionetas se conocen en muchas culturas. A la izquierda, un Fausto enfrascado en la lectura de los saberes ocultos, creado por el grupo portugués A Tarumba. A la derecha, una marioneta tradicional de Tailandia, ricamente vestida y con la cabeza y las manos de madera.

Había leído en varios lugares que la vocación de Javier Villafañe se despertó tras ver una gira de Lorca. Sin embargo, en los Títeres de la andariega (Colihue, Buenos Aires, 1990) se cuenta de otra manera:

Las cinco obras que componen este libro fueron escritas en distintas fechas: Don Juan Farolero, en 1930, cuando era soldado en la base aérea de Palomar, influenciado entonces por los esperpentos de Valle Inclán y las marionetas de San Carlino de doña Carolina y don Bastián de Terranova —mis maestros—. Las vi actuar por primera vez cuando tenía dieciocho o diecinueve años. Me impresionaron tremendamente. Esa noche, en un viejo teatro de La Boca, encontré mi oficio.

(Javier Villafañe, octubre de 1989)

El librito, de menos de un centenar de páginas, incluye obras en romance para adultos: el ya citado Don Juan Farolero y cuatro obras de 1934: La guardia del general, Una pieza con moraleja, El fantasma y Fausto.

Ha aparecido en Aragón Digital una entrevista con el titiritero cubano René Fernández Santana, que me ha gustado leer, pese a su relativa brevedad. La encontraréis siguiendo el enlace de arriba. Extracto aquí un par de pasajes sobre la concepción teatral y la formación de los titiriteros:

La obra trabaja mucho el elemento del canto, el idioma que hablan las aguas y no sólo va a condenar la apropiación del agua sino que ve el agua como una alabanza a la vida para poderla cuidar, proteger.

P.- ¿Y todo este planteamiento cómo se traduce sobre el escenario?
R.- A través de retablos móviles que se apropian de todo el espacio escénico, que se mueven como se mueve el universo y el hombre, como se mueve el agua en el mundo, los océanos, los ríos, los lagos, las cascadas… Y se utilizan títeres planos articulados, una técnica bastante limitada y, sin embargo, los actores les han dado mucha vida y también rompen el desarrollo de la anécdota y hacen juicios de la obra. Es una de las cosas más interesantes del espectáculo, que fluye dentro de una ficción teatral y de contenido de la puesta en escena.

Es un gran juego de la realidad y la fantasía, donde hay elementos muy brechtianos, de distanciamiento, de comunicación con el público. Es imposible, es absurdo que alguien esconda toda el agua de la tierra, pero pienso que la ficción es importante y hemos intentado darle a esa fantasía credibilidad. Tiene muchas encrucijadas hasta para el público infantil pero siempre con mucha claridad. Lo llamamos un misterio o una fantasía desaforada porque no se oculta nada. El niño ve cómo el actor se mueve, coge los objetos y los entra en escena.

[...]

P.- ¿Qué le diría un maestro titiritero a los jóvenes que se inician en el arte del teatro para niños?
R.- Le diría que es muy importante estudiar, que el arte necesita mejoras humanas, artísticas y técnicas. Pienso que los jóvenes deben emprender un camino hacia su profesión con estudios porque un titiritero se nutre de todo, de la ciencia, la técnica, del diseño. Nuestro arte es un arte muy complejo y un titiritero debe estudiar todo: la plástica, el diseño, la actuación, la interpretación.

Nunca se termina de aprender nuestro arte. El teatro de títeres me sorprende constantemente con algo nuevo y los jóvenes también tienen que sorprenderse diariamente. También les digo que su obra la hace el trabajo cotidiano, sistemático, que la búsqueda diaria es muy importante.

En este enlace podéis encontrar una pequeña biografía del autor. Tomo la imagen de una exposición de arte a propósito de libros de Ediciones Vigía. El registro es muy distinto al de El desatinos de las aguas, pero hablamos de un autor de carrera muy larga y nunca está de más recordar la diversidad de estilos del teatro de títeres y marionetas, demasiado asociado, de costumbre, a unas pocas formas muy concretas de teatro infantil.

En Can Titella nos gustan los grandes espectáculos de títeres y marionetas, de especial calidad de confección, que merecen ser representados en un teatro estable; pero también los sencillos, los del titiritero de carreta que agarra las maletas y empieza a recorrer pueblos buscando nuevos públicos y nuevas experiencias. Y nos gusta que nos lo cuenten: cómo fue el viaje, qué lo originó, con qué esperanzas, qué frutos produjo.

Si bien tardó en poder concretar el viaje, finalmente vino con su teatro llamado «Títeres del Bonete». Walter Bermúdez trabaja mucho en la provincia de Buenos Aires, pero por primera vez se presentó en Río Grande, tanto en el Jardín Dominó, como en el CIERG. [...]

«Me gusta el trabajo en las escuelas, porque yo hago la representación de la obra de títeres y luego les explico a los chicos que es lo que hago: les cuento que viajo, les explico qué tipo de títeres utilizo; doy vuelta mi retablo y entablo una suerte de conversación con los ellos y me hacen preguntas, teniendo en cuenta que como uno viene de un lugar lejano a ellos les interesa», agregó Walter. En estas dos semanas que pudo visitar la ciudad, no fue fácil arreglar y acordar estas presentaciones. Walter visitó alrededor de una docena de instituciones, fundamentalmente jardines de infantes, de las cuales dos le dijeron que sí y el resto le manifestó que el año que viene tiene las puertas abiertas. [...]

Walter Bermúdez comenzó con el arte de los títeres en 1985, en una escuela de la época que se llamaba Taller Municipal de Títeres. [...] Títeres del Bonete es su proyecto propio y si bien en este caso vino solo, en Tandil trabaja con su esposa, Celina Ovejero. Ella se dedica a la parte del diseño y la confección de los títeres, la escenografía, la utilería, las telas y los retablos.

El espectáculo se llama «De todo en una valija» y combina un show de títeres, música y circo. En este show, Walter intercala diferentes técnicas de circo como los malabares, la técnica de clown y el ilusionismo, y empalma con la obra de títeres. A su vez la obra de títeres combina diferentes técnicas: títeres de guante, de varilla, los mapeds [muppets] o bocones y las siluetas. Todo es acompañado con música: se destaca mucho la participación de los chicos, los cuales hacen palmas, interrelacionan con los títeres entablando una conversación.

Podéis leer el artículo completo en el diario El Sureño. En su faceta local, no menos importante, Títeres del Bonete también organiza el Festival de Títeres en Vacaciones de Invierno (ver programa del quinto festival).

Del 19 al 28 de octubre de 2007 se celebra el Festival Guant, organizado en el aspecto propiamente titiritero por la compañía Pa Sucat, conocida por su recuperación del títere tradicional catalán. Este es un títere de guante con cabeza de madera y un busto en el que se abren tres orificios para los dedos; los personajes se insertan sobre todo en la tradición de Guignol. En Guant, como su nombre indica, el títere de guante tiene especial protagonismo, pero está abierto a distintas formas y tradiciones.

Más información, en el sitio web del festival o en festes.org.

Me ha gustado mucho el blog de La máquina maravillosa, de Jesús Galera Peral, que por el momento está ocupándose sobre todo del teatro de sombras (el wayang kulit indonesio), el bunraku japonés y, en general, el teatro oriental. Incluye reflexiones de especialistas y también vídeos. Visitadlo, vale la pena.

He encontrado en Nos vemos en el blog una referencia a un espectáculo de sombras chinescas, realizado por la compañía Pilobolus, que apareció en la última ceremonia de los Oscar y es verdaderamente atractivo. Voy a copiar aquí el video, pero os recomiendo que visitéis el blog, de una profesora de Música, porque está lleno de buenas ideas y reflexiones.

Actualización del 20 de noviembre: con ocasión de las representaciones en el teatro madrileño Calderón Haagen Dasz del 19 al 22 de noviembre, El País trae dos vídeos más, hechos para Hyundai y Volkswagen. Podéis verlos, con un poco de publicidad previa, pero algo de texto y varias fotos, en EP3. El mismo periódico dio cabida en diciembre de 2006 a este artículo sobre la danza acrobática de Momix, grupo fundado por dos miembros de Pilobolus. De Momix habla también Laura Kumin en esta nota de El Cultural (bastante más antigua, pero reciente si pensamos que Momix se fundó en 1980).

El propio sitio web de Pilobolus ofrece también varios videos: por ejemplo, el de Hyundai o los de Bidvest y Bidauto.

La imagen procede de esta reseña: «Pilobolus at the Joyce With Wolken’s New Duet, “Memento Mori”» (Jennifer Dunning para el NYT).

Con el nombre de wayang se engloban diversas formas del teatro indonesio, tradicionales sobre todo de las islas de Java y Bali. Aunque existen formas con actores y con títeres de varillas (el wayang golek), la variedad más extendida en Indonesia (y a la vez la más divulgada en Occidente) es la del teatro de sombras o wayang kulit. Los cinéfilos ya habéis visto sus figuras: las manejaba el fotógrafo enano de El año que vivimos peligrosamente (del director Peter Weir, con Mel Gibson y Sigourney Weaver).

© Bali Online. Used with their kind permission.

Los títeres del wayang kulit

Los títeres son de cuero trabajado y después cuidadosamente pintado. Representan a dioses y héroes de la tradición épico-religiosa clásica (el Mahabharata y el Ramayana), de una manera altamente codificada, simbólica. Así, los colores de la vestimenta son indicativos del carácter y el modo de comportarse de los personajes; lo son igualmente los propios rasgos de la cara. Por ejemplo, héroes como Rama o Arjuna tienen la nariz larga e inclinada hacia abajo, y los ojos estrechos, igualmente inclinados hacia abajo; ello los identifica como personajes nobles.

Ese simbolismo es un saber compartido con el público, en cierta medida parecido al que podía existir en Occidente unos cuantos siglos atrás. Pensad por ejemplo en las descripciones medievales de la mujer, que solo excepcionalmente incluyen rasgos físicos reales. O en el significado de la altura en los pupi sicilianos.

Pero este simbolismo, ¿es primitivo? ¿O es parecido al que se usa en Hollywood, nuestra fábrica de mitos? Si todos reconocemos al “malo” cuando aparece -o si nos pueden engañar con un personaje que«parecía» malo- es porque existe un código simbólico compartido. Pensad si no en el Jesús de las películas bíblicas; ¿en qué libro se dice que tuviera los ojos azules?

© Harlan Wallach

Una representación de wayang kulit

En una representación de wayang, la figura fundamental es el dalang o manipulador. Él se encarga en solitario de las voces de todos los personajes, e igualmente puede cantar. Suele actuar acompañado de una orquesta típica de Indonesia llamada gamelán (en la foto).

La representación del wayang es extraordinariamente larga: dura toda una noche. Como cabe esperar en ese caso, es abierta; el público se incorpora o se marcha, quizá para regresar más tarde, y come y habla con naturalidad durante la representación.

Esta libertad de los espectadores, que además pueden participar con sus comentarios, es algo corriente en el teatro de sombras más popular, y sucede también con Karagoz. Y no está tan lejos de aquellos cines de barrio con las sillas plegables de madera…

En el Museo de la Música Étnica de Barranda (Murcia), muy recomendable y con gran presencia de instrumentos de culturas no occidentales, podéis ver una orquesta gamelán completa.

© Museo de la Música Étnica de Barranda, colección Blanco Fadol

Moschos Morfakidis: Karaguiosis (el teatro de sombras griego). Athos-Pérgamos, Granada, 1999. 24×17 cm, 222 p. ISBN 84-922847-9-X.

El volumen más completo que yo he encontrado en castellano sobre el Karagoz es este Karaguiosis, dedicado principalmente a la versión griega de este teatro asimismo popular en Turquía. Repasa su historia, su relación con el teatro turco y varias cuestiones propiamente teatrales: técnica, textos y personajes, además de incluir la traducción de una obra de Andonis Molas y un buen número de ilustraciones (en color o b/n).

• Ampliado el 17 de septiembre de 2007.

El karagoz es la tradición popular del teatro de sombras en Turquía y Grecia. Sus dos personajes más importantes -Karagoz y Hacivad- tienen una psicología recurrente en el mundo de los títeres: Karagoz es humilde, pero muy astuto, y Hacivad es más educado (¡y pedante!), pero lleva siempre las de perder.

A partir de estos rasgos básicos, las historias se han ido actualizando. Los titiriteros -o karagiozi- no interpretan textos clásicos, sino que llenan sus relatos de referencias irónicas y satíricas a las cuestiones sociales más punzantes.

Karagoz vivió su momento más importante en los siglos XVIII y XIX. El cine ha mermado mucho su difusión y su alcance, y ha pasado a ser considerado mayoritariamente como un espectáculo infantil. ¡Como aquí los títeres, qué os vamos a decir!

Karagoz en acción

Las figuras son articuladas; se fabrican con piezas de cuero a las que se da color. (¡No todo el “teatro de sombras” se hace con sombras!).

Los espectadores se sientan detrás de una tela blanca (una sábana, en muchos casos). El manipulador las apoya contra la tela y las mueve; una luz completa la magia.

En una narración pueden intervenir varios personajes, pero suele haber un único titiritero. Eso sí, puede ir acompañado de algún cantante o músico (la pandereta es el instrumento más tradicional).

El karagiozi griego Panos Kapetadinis, detrás de la pantalla. © Panos Kapetadinis.

Personajes secundarios

a. Zenné. b. Çelebí. c. Beberují. d. Frenk. e. árabe negro. f. Tiryaki. g. árabe blanco. h. albanés. i. rabino. j. persa. l. laz. m. kurdo. Del libro Karaguiosis, de Moschos Morfakidis (Athos-Pérgamos, Granada, 1999).

Javier Villafañe (1909) es considerado el pionero de los titiriteros argentinos. Según lo que es casi una leyenda, se decidió por este arte a partir de la visita de Lorca y sus títeres de cachiporra, en 1933. Sus obras se dirigen sobre todo a los niños más pequeños, aunque tiene también obras para adultos. Los personajes más famosos de Villafañe son, probablemente, Juancito y María. Sus aventuras se cuentan en “La calle de los fantasmas”, que podéis leer en Historias para títeres/1.

Como dice allí Eduardo di Mauro, “luego de ser actuado, recreado y jugado por muchos titiriteros profesionales en más de cien mil representaciones, Juancito significa de por sí una sólida base para diseñar una estética del teatro de títeres de guante. Este personaje ingenuo, valiente, cobarde, enamorado e ingenioso, con un comportamiento escénico simple, directo y rápido, obtiene en sus infinitas versiones la síntesis de ese humor que solo el teatro de títeres logra en los niños y en los adultos de cualquier latitud ciudadana o campesina del mundo hispanoparlante.”

Podéis leer otras obras de Villafañe en Antología, Sudamericana, Buenos Aires, 1990; y Cuentos y títeres, Colinue, Buenos Aires, 1990. Villafañe era también escritor; en este enlace podéis leer algunos comentarios sobre sus obras: Compartiendo lecturas.

Punch, el malísimo

Una enorme nariz aguileña y roja, roja como las mejillas y la barbilla; una joroba grotesca y deforme; pies (a diferencia de sus compañeros); y, por último, un bastón, al que recurre sin cesar: ese es Punch, el malísimo. Tan malo, que los políticos no siempre han entendido ni aceptado su sentido del humor y han intentado censurarlo incluso en fechas recientes.

Su voz es muy peculiar; el Punchman (titiritero) la hace chirriar mediante la lengüeta o swazzle. Precisamente por esos chirridos, el diálogo de Punch suele reducirse a unas pocas y breves frases (como That’s the way to do it!, “Así es como hay que hacerlo”).

(more…)

Guignol es el títere francés por antonomasia. Siempre ha sido un títere de guante: no evolucionó a partir de la marioneta. Aparece en Lyon hacia 1800; es más joven, por tanto, que Punch o Kásperle, pero logró tanta fama que hoy «guiñol» es sinónimo de títere en muchas partes. Lo creó Laurent Mourguet, de oficio… ¡dentista!

De modo que, si permiten la broma, cuentan los más fidedignísimos historiadores que Mourguet tenía la sensibilidad de preguntar a los pacientes: «Jefe, ¿le duermo con la cachiporra o le entretengo con títeres?» Y de tanto practicar uno y otro (que gustos hay de todas clases), acabó creando un títere de cachiporra.

En realidad, Guignol es un canut, un trabajador de la seda. En el Lyon de 1800 -una ciudad que comenzaba a vivir el proceso de industrialización general- los canuts lucharon contra sus durísimas condiciones de trabajo, casi de explotación, protagonizando una de las primeras revoluciones obreras. De ahí deriva el carácter principal de Guignol: un sencillo «hombre del pueblo» que, con las armas de la astucia, se enfrenta a diferentes formas de poder.
Esa característica, e incluso el esquema general de personajes, se mantienen en Titella, el títere tradicional catalán. También la comparte con Punch, pero ni Guignol ni Titella son perversos, a diferencia del títere inglés.

Guignol viste característicamente con una chaqueta corta, un bonete y una trenza. En sus aventuras, le ayuda su mujer (Madelon, con un pañuelo en la cabeza) y su compañero Gnafron, casi siempre borracho (otro rasgo de humor popular). Gnafron es zapatero y viste un delantal de cuero y una gorra de seda. (Hay quien dice que está basado en un violinista que trabajó con Mourguet, conocido como le père Thomas, pero tampoco está muy claro.) Los enemigos de Guignol son el juez y el gendarme, que suele acabar recibiendo una buena tunda.

En Lyon hay hoy un museo del títere: el Musée Gadagne [15-ago-07]. Pero el sitio más expresivo sobre este personaje es el del grupo Il était une joie: contiene fotos y videos de los personajes [15-ago-07]. En el barrio lyonés de la Cruz Roja prepararon una pequeña introducción que relaciona a Guignol con el espíritu que motivó la revolución de los canuts; ellos nos cedieron amablemente las imágenes del Théatre de Guignol de Lyon. En la página de la familia Castelbou se cuenta también la historia y, sobre todo, se muestra cómo se fabrica uno de sus títeres, con fotos [15-ago-07].

En el vol. 3 de las Historias para títeres, de Arbolé, podéis leer dos guiones en versión de José Luis González.

Kasperl es un títere tradicional alemán (por lo general, de guante). A diferencia de otras tradiciones, es un personaje muy vivo, que se ha actualizado de formas muy diversas.

En España es conocido por las novelicas de aventuras que escribió Josephine Siebe y tradujo Noguer; pero es un personaje sin amo. Una de las obras más representadas hoy lo combina con una figura más moderna, la del divertido y malvado Hotzenplotz (el bandido Saltodemata).

En la imagen, una figura de la Freiburger Puppenbühne.

Si entendéis el alemán, en el proyecto Gutenberg pueden leerse algunas historias clásicas de Kasperl:

• Clemens Brentano: Geschichte vom braven Kasperl und dem schönen Annerl
• Franz Graf von Pocci: Das Eulenschloß, Der artesische Brunnen, Kasperl in der Türkei, Kasperl unter den Wilden
• Aparece también en Pole Poppenspäler, de Theodor Storm

El teatro de varillas se da por igual en Oriente y Occidente. También relacionados con la épica, como los pupi sicilianos, pero dentro de la tradición javanesa, como las otras formas de wayang, podemos citar los grandes títeres de madera del wayang golek.

Comparten con sus hermanos indonesios (wayang kulit y otros) la base argumental, el simbolismo de la decoración y la duración y libertad del espectáculo; pero su manipulación es muy diferente: un eje inferior, cubierto por el vestido, permite sujetarlos y mover el cuello; y los brazos, largos y articulados, se mueven también con varillas inferiores.

• La imagen fue tomada, con permiso, de http://bandung.wasantara.net.id/wayang1.htm, página que hoy no funciona.

A partir del Orlando Furioso, de Ariosto -una obra épica del siglo XVI-, han surgido una serie de tradiciones teatrales que reproducen las aventuras de este fantástico caballero. La más famosa, quizá, es la de los pupi sicilianos; pero se representan obras similares en Lieja (Bélgica) y Amiens (Francia).

Los pupi son muñecos tallados en madera, de figura completa. Pueden alcanzar hasta un metro cincuenta de altura, pero siempre teniendo en cuenta que la altura es un símbolo de la importancia de los personajes: nadie es más alto que Orlando o Carlomagno. Se controlan sobre todo con una gruesa vara de hierro que entra por la cabeza y permite mover el cuello. Habitualmente, una segunda varilla permite mover la espada y, en ocasiones, otra el escudo. Los personajes secundarios suelen tener los brazos sueltos. El manipulador, que controla los muñecos desde arriba, está oculto a la vista de los espectadores.

Podéis ampliar esta información en el libro de Freddy Artiles. Al menos, de ahí la hemos sacado nosotros…

• En la imagen, “pupo” de Figli d’Arte Cuticchio, Palermo (Italia). Del libro Títeres y titiriteros, de Pilar Amorós y Paco Paricio.